Дизайн, интерьер

Формирование архитектурных стилей

Понятие стиль в архитектуре применяется для разграничения художественно-образных систем, зарождение, расцвет и упадок которых в границах определенной исторической эпохи отмечены синтезом технических и эстетических предпосылок общественных взглядов на красоту и целесообразность. Коллекционерам афористичных определений можно предложить несколько вариантов этого понятия:

Стиль — это мысль, выраженная минимумом слов (Расин);

Стиль — это сам человек (Ж. Бюффон);

Стиль — это прежде всего чувство ответственности (О. Перре);

Стиль — это печать своего времени на лице искусства и Стиль — это знак эпохи (А.И. Каплун).

Понятие относится к т.н. большим историческим стилям, влияние которых на эстетическое сознание людей устойчиво, длительно и ревер-сивно. В границах стиля формируются субстили (как этапы развития большого стиля), фиксирующие кратковременное возрастание интереса к нюансам художественных проявлений главного направления. Правильнее назвать их модой. И, наконец, можно говорить о творческом индивидуальном стиле архитектора или дизайнера, их авторском почерке [124].

Накопленная историческая информация свидетельствует о том, что время жизни и обстоятельства угасания стилей неодинаковы, как и их влияние на формирование последующих эстетических предпочтений. Каждый последующий стиль поднимает, несомненно, на новый уровень понимание красоты, опирается на более тонкое восприятие художественной выразительности произведений искусства, архитектурных в том числе. Каждый новый стиль, поглощая опыт предшествующего, становится интеллектуально богаче.

Зарождение нового стиля, как правило, связано с радикальными социально-экономическими подвижками в человеческой цивилизации и ломкой художественного мировоззрения, выраженной переносом эстетических императивов с техники на самодостаточное искусство и наоборот [49].

Есть предположение, что мы имеем дело с синусоидальным процессом движения эстетических пристрастий, управляемым бессознательно равнодействующей общественных вкусов, удаляющихся и приближающихся к некоему равновесному центру — средоточию незыблемых ценностей бытия. Эта незыблемость хорошо отражена, на

 

пример, в конструктивно-художественной гармонии ордерных систем, составляющих ядро сооружений классической архитектуры, и в этом причина периодических возвращений к классическим константам в форме их реанимации или демонстративного отрицания (рис. 11.7.1).

В наши намерения не входит подробное рассмотрение всех стилей, оставивших свой след в истории архитектуры и до сих пор вызывающих потребительский интерес.

Одна задача состоит в представлении тех художественных явлений (в рамках своих стилей), которые соблазнительны как образцы для подражания (это называется стилизацией) в намерении придать среде, для которой разрабатывается дизайн-проект, оттенок ретро. Другая задача — показать методологические закономерности построения гармоничной целостности среды на исторических примерах. Профессионал обязан соблюдать законы жанра, тем более если он культивирует собственный стиль, который будет неизбежно сопоставляться с фоновым.

Ранние известные большие стили можно по праву назвать археологическими; собранная о них информация, касающаяся образа жизни и формирования художественного образа среды обитания, основана на отрывочных данных и дедуктивных предположениях, а их достоверность есть мера доверия собственному воображению. Если судить по сценографическим находкам кино и дизайнерским стилизациям в общественном и жилом пространстве — то здесь ретро-воображение не сковано схоластикой (рис. 11.7.2) и рассчитано на резонанс зрителя, знакомого с предложенной СМК интерпретацией жизни пещерных людей, древних египтян или гладиаторов Рима. Зрительные образы клаустрофобных гипостильных залов Древнего Египта, залов римского сената, вифлеемских трущоб времен рождения Иисуса Христа мы создаем сами. Нужно только умело расставить атрибуты, установив для начала параметры помещений, характер мебели эпохи, пейзаж за окном, состояние каменных плит пола и рисунок соломенной циновки, закрывающей дверь, тип керамических сосудов, стоящих в углу и вид светильников, покрой и цвет одежды, текстуру тканей, степень изношенностей сандалий и истертости порога и т.п.

Это называется погружением в историческую среду. Уяснение ее натуралистических признаков придает совершенно иное качество работе над современным ретро-интерьером, в котором визуальная атмосфера исторического адреса оживает под легкими мазками кисти посвященного.

 

Образный материал археологических стилей Древнего Востока и античности: роспись стен, керамическая и бронзовая утварь, орнамент, скульптура, мегалитическая каменная кладка и ордерные системы — достаточен для любых дизайнерских фантазий. Попробуйте сделать копию с фрагмента стенной египетской росписи гробницы; вы будете поражены живостью и пластикой рисунка, взвешенностью композиции, точностью колористического решения {рис. 11.7.3). Если просто рассматривать образцы — ничего этого вы не узнаете и не приобретете!

После античности последовательность европейских архитектурных стилей до начала XX в. представлена следующим списком:

византийский и раннего средневековья — IV— IX вв.;

романский — X—XII вв.;

готика — XII—XV вв.;

итальянский Ренессанс — XV—XVI вв.;

барокко, рококо, классицизм — XVII—XVIII вв.;

неоклассицизм и ампир — XVIII—XIX вв.;

эклектика — XIX в.;

модерн — конец XIX—начало XX в. [30].

Напомним еще раз, что в процессе развития стили видоизменяются, могут сосуществовать и возвращаться в архитектурную практику.

Начало сложения византийского стиля связано со становлением идеологии христианства, и все европейское искусство этого времени носит печать аскезы, мученичества, нравственной строгости. Художественные произведения — скульптура, мозаика, книжная миниатюра — отличаются стилизованностью, каноничностью и скованностью изображений, густой гаммой красок и проблесками позолоты. Для творческой палитры дизайнера представляет интерес распространенная в Византии техника мозаики, заимствованная от древних греков и римлян.

Византийская мозаика, набранная из мелких кусочков цветного камня и смальты, даже при достаточно удачных попытках ее использования в светской архитектуре все же остается декоративным средством художественного осмысления культового пространства: церкви, часовни, мемориала (рис. 11.7.4). Вместе с тем эксперименты современных художников-монументалистов демонстрируют большие возможности мозаичных композиций на основе гальки, колотого мрамора, раковин, битого фарфора, цветного стекла для оформления фасадов и интерьеров жилища, общественных и производственных зданий, элементов внешнего благоустройства (рис. 11.7.5).

В романский период высокого уровня достигает искусство архитектурного рельефа фасадов, фигуративного и орнаментального, совершенно не похожего на античный, опирающегося в поисках художественного образа на местную флору и фауну (рис. 11.7.6) [110]. Романская архитектура Южной Франции и Северной Испании подготовила технические и художественные приемы архитектуры готики.

 

Готическое искусство [36] зарождается во Франции, а свое название как искусство готов (варваров) получает только в эпоху итальянского Возрождения. Не напрасно готика так не нравилась Д. Вазари — жизнеописателю великих мастеров эпохи Возрождения и автору термина. Ее образная система резко отличалась от классической ордерной тектоники античности, которую итальянцы стали возрождать в XV в., но зато логично вытекает из динамики развития романской архитектуры.

В готических соборах эстетизирована игра сил веса и распора конструкций, освобожденных от балластных масс, сдерживающих рост здания в высоту. Вместо узких окон появились широкие цветные витражи, которые вместе со звуками органа, вибрирующими в высоте под темными сводами, производили сильнейшее впечатление на сознание прихожан (рис. 11.7.7). Никогда еще устремленные вверх интерьеры соборов, цветные лучи в полумраке, мощный рокот органной музыки не создавали такого гармоничного единства духовно заряженного пространства.

 

Вся схема дизайнерского спектакля собора от предупреждающих сцен страшного суда перспективного портала, втягивающего в глубину интерьера, до скромного распятия в алтарной абсиде грамотно продумана коллективным сценографом в лицах сменяющих друг друга авторов, тонко чувствующих атрибутику обстоятельств беспрепятственного общения верующего с высшими силами.

Витраж не отягощен религиозным аскетизмом подобно мозаике. Проникающий сквозь цветное стекло свет всегда дает мажорный эффект, поэтому он охотно используется в дизайне жилища (цветные витражи и отдельные вставки цветного стекла в окнах, на дверях). Удивительно благоприятное впечатление оказывает вид цветового зайчика на полу от проникающего через витраж солнечного света. Дети любят разглядывать мир сквозь цветные стекла, узнавая его по-новому и утоляя цветовой голод. Современным дизайнерам следует активнее использовать художественные достоинства витража.

Кроме витража готика дала великолепные образцы мебельного декора. Сама по себе мебель этого времени, говоря современным языком, не очень эргономична; она представлена преимущественно прямоугольными массивными силуэтами, однако ее резной орнамент великолепен и изящен. Сюжеты орнамента, и это подкупает, взяты из природного окружения Средней и Северной Европы. И при этом чувствуется сильное влияние восточного искусства — в арабесках, геометризме (рис. 11.7.8).

 

 

Диссидентский порыв готического искусства был пресечен новой духовной революцией, овладевшей Европой. Великие географические открытия, успехи естествознания и техники расширили границы знания о мире и человеке — с протестом против средневекового мракобесия церкви была отвергнута олицетворявшая ее готическая культура. Взамен была провозглашена идея возвращения к гармоничному, ясному и человечному миру античности.

Флагманом итальянского Ренессанса стала Флоренция, а затем центр наиболее выдающихся достижений в архитектуре переместился в Рим. Не обошло Возрождение и другие города-республики Северной Италии, которые не только разоряли друг друга в междоусобных войнах, но и конкурировали в сфере искусства [50].

В Возрождении объектом большой архитектуры становятся общественные сооружения (ратуши, залы советов) и дворцы знати. Интерьеры крупных помещений достигают большой высоты в результате развития сводчатых перекрытий. В творческий язык архитектуры возвращаются ордерные и арочные системы в виде галерей или наложений на стену, которые становятся композиционным полем для экспериментов в членениях поверхности. Результаты экспериментов показывают следующую динамику: в Раннее Возрождение используется образ глухой, надежной и неприступной стены снаружи и простая окраска по штукатурке интерьера; в последующем все интерьеры богато декорируются; время Высокого и Позднего Возрождения характерно решениями визуально более открытых фасадов за счет наложения на них ордеров, имитирующих многоплановость фасадного фронта с более тонкой моделировкой оконных обрамлений.

Дорогая и трудоемкая отделка предренессансных фасадов цветным мрамором (флорентийская мозаика) меняется на штукатурку и облицовку тесаным камнем, в основном цокольных поверхностей.

Сводчатые интерьеры в зрелом Возрождении заменяются интерьерами с плоскими кессонированными потолками, которые вначале расписывали отдельными пятнами с самостоятельными сюжетами, потом — композициями одной темы, породившими специфическую плафонную живопись, визуально разрывающую поверхность потолка небесными пейзажами. Стены оформлялись ордерными членениями, обтягивались декоративной тканью, украшались шпалерами и коврами, гигантскими фресками, плотно заполнялись картинами (рис. 11.7.9).

Интерьеры публичных зданий оборудовались соответствующим предметным наполнением: резной мебелью, столами заседаний, тронными балдахинами, книжными шкафами, бюро, глобусами, скульптурой, украшались географическим картами. Цокольная часть стены обшивалась деревянными панелями. Окна занавешивались тяжелыми бархатными и шелковыми тканями. Каменные полы застилались коврами. Камины богато декорировались.

Крупные размеры помещений предусматривали и масштабные членения интерьеров. Особое внимание уделялось оформлению внутренних дверей: в виде портиков, с сильной раскреповкой порталов, со скульптурным или живописным декором поверх карниза, получившим широкое распространение в дворцовой архитектуре Франции и название десюдепорт (наддверный) (рис. 11.7.10). С потолка свешивались тяжелые, богато украшенные люстры; множество зажженных свечей перегревали и задымляли интерьер — в этом еще одна причина сохранения большой высоты присутственных залов.

Городские дома и загородные виллы богатых итальянских семей имели сады регулярной планировки, организованной террасами, с прудами и фонтанами, дорожками, окаймленными стриженой растительностью. Сады населялись аллегорическими скульптурами, здесь устанавливались вазоны с цветами, скамьи, устраивались тенистые навесы.

В XVII в. архитекторы уже не удовлетворялись изысканным формотворчеством в изолированных от внешней среды дворцах при том, что город сохранял вид феодального поселения с узкими улицами, неухоженными глухими фасадами.

Теперь их интересовали живописные перспективы города, возможность развернуть перед зданием пейзажное пространство. Художники уже подготовили почву в сознании горожан и архитекторов к созданию динамичных, сложной планировки и пространственной прозрачности ансамблей. С появлением дистанции обзора приобретает больший смысл работа по обогащению фасадов членениями и деталями.

За короткое время были созданы несколько ансамблей, упорядочивших структурный хаос Вечного города. Это были пьяцца дель Пополо, площадь Капитолия, площадь собора Св. Петра, Испанская лестница, площадь Колонны, площадь Навона, ансамбль с фонтаном Треви и др. (рис. 11.7.11).

В то же время разрабатывались принципы новой организации пространства интерьеров, дворцов и храмов с необычайно динамичной, живой пластикой скульптурного и барельефного оформления, световоздушной перспективой открытых взгляду помещений. Светская раскованность и нарядность нового архитектурного течения — барокко — пришлась по вкусу Ватикану, который стал основным заказчиком барочной архитектуры [20].

Как архитектурный стиль барокко имеет ряд формальных признаков: симметричное трехчастное членение фасадов, сдвоенные колонны, обильная пластика криволинейных стен, картуши, разорванные фронтоны и аттики, двойные—тройные обрамления окон (рис. 11.7.12). Особняки, решенные в барочном стиле, открываются пышными вестибюлями и богатыми лестницами (рис. II. 7.13). Плафоны парадных залов украшены росписями с небесными аллегорическими сюжетами с крылатыми божествами.

 

Архитекторы барокко добились высокого уровня театрализации интерьеров. Внешняя фасадная пластика барокко, оставаясь монохромной, стабилизировалась стилистически в умеренно выразительных формах; архитектура же интерьеров развивалась в направлении колористической рафинированности с преобладанием пастельных тонов, утонченной пластики декора, тщательного подбора аксессуаров, мебели, тканей, преобразуясь в специфически интерьерный стиль — рококо. Художники-декораторы вносили в интерьеры дух камерности, изящества, интима. Помещения салонов получили скругленные формы плана, стены расчленялись пилястрами, зеркалами, рамами с гипсовой лепниной с характерным для барокко орнаментом в виде раковин и завитков.

Помещения наполнялись экзотическими предметами, вычурной мебелью, картинами гедонистских сюжетов с аллегорическими пейзажами, пасторалями (рис. 11.7.14). В моду входит китайская, японская, персидская экзотика.

В благоустройстве садов и парков ценилась первозданность форм природы. Имитировалась сельская простота быта — в стилизации одежды пастушек, эльфов. Строились псевдодеревенские домики, хижины, руины, устраивались водопады с аллегорическими скульптурами, часто замшелыми и разбитыми.

Сформировавшееся во Франции в первой половине XVIII в., рококо не раз возобновлялось как стиль элитной архитектуры, положив начало романтизму конца XIX в.

Параллельно барокко и рококо и в противовес им идеи Возрождения получили направление развития в сторону строгого следования тектоническим закономерностям античной архитектуры, простоты и ясности планировочных решений, декоративной немногословности. Направление получило название классицизм. В силу своей художественной определенности и хрестоматийности стилевых признаков: центричности компоновки объемов, использования ордерных классических форм, канонически отработанных пропорций, белого цвета деталей при светлой окраске стен, регулярности парков, а также подготовки рецептурных рекомендаций альбомов Дж.Б. Виньолы и А. Палладио, классицизм получил широкое распространение — от респектабельной столичной архитектуры до наивных подражаний в глубокой провинции {рис. 11.7.15) [56].

Стилистические пары барокко—рококо и классицизм—рококо просуществовали до конца XVIII в.

С наполеоновскими войнами и знакомством с миром художественной символики Древнего Египта в недрах классицизма был рожден последний оригинальный исторический европейский стиль — ампир — с торжественной гладью светлых стен, на фоне которых выделялись геральдические картуши и композиции на военные темы.

Ампиром было восстановлено стилистическое соответствие художественной образности фасадов и интерьеров. Ампирная мебель так же чопорна и лаконична.